プティルウ誕生日や結婚式 【楽ギフ_包装】 うれしいお祝い事に アネモネ ディスプレイフラワー 全ての

プティルウ誕生日や結婚式、うれしいお祝い事に、ディスプレイフラワー (アネモネ)

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1792円

プティルウ誕生日や結婚式、うれしいお祝い事に、ディスプレイフラワー (アネモネ)

【商品名】
 プティルウ誕生日や結婚式、うれしいお祝い事に、ディスプレイフラワー (アネモネ)

【商品説明】
 ・アネモネ12本セット
・花びらのしわ・葉脈・茎にいたるまでリアルな作り、ディスプレイフラワー
・サイズ 花の直径 約6?/全長約45?
・お部屋のインテリア、結婚式やパーティーの飾り付けにおすすめ。ブーケや花冠を手作りする際の材料などにもお使い頂けます。
・プティルウは1969年、「大人に夢」を理念に生き物をモチーフに、ファッション素材の布を使いキュートでユーモアを持った手作りの縫いぐるみを創作することから始まりました。オリジナリティあふれる製品を通じて、人のやさしい気持ちをよみがえらせ、愛が生まれるお手伝いをしています。

【サイズ】
 高さ : 15.00 cm
 横幅 : 30.00 cm
 奥行 : 50.00 cm
 重量 : 500.0 g
 ※梱包時のサイズとなります。商品自体のサイズではございませんのでご注意ください。





プティルウ誕生日や結婚式、うれしいお祝い事に、ディスプレイフラワー (アネモネ)

梱包が丁寧で非常に満足しました。やはり安全第一を優先してる事を再確認しました。
梱包、包装及び対応はすべてよかったです。すこし過剰包装かな、でも商品が傷つかないように心使いされた結果でしょう。
しっかり梱包されていて苗木もしっかり丈夫そうで 安心しました

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ピエール・ボナールのレクチャー@石橋財団アートリサーチセンター

石橋財団アートリサーチセンターにて、ブリヂストン美術館の学芸員の方によるピエール・ボナールのレクチャーを受けて来ました。


【ボナールとは?】
ボナールは画家の好む画家、あるいは玄人好みの画家、そして日本人好みの画家。
生活の中で目にしたものを描き、日常的な幸福感と戸惑いと落ち着かなさという、相反する要素が同居する画家であるとのこと。
ヴュイヤールやマティスに宛てた晩年の書簡は、日本の俳句や詩のようであり、そういったことも含め、日本に馴染みやすいのではないかとも。


【石橋財団ブリヂストン美術館とボナール】
石橋財団の所有するボナールは、リトグラフも含めて以下の5作品。
『家族の情景』リトグラフ
『灯下』1899 油彩
『海岸』1920 油彩
『桃』1920 油彩
『ヴェルノ付近の風景』1929 油彩
これら全てがブリヂストン美術館の開館記念展で揃っており、それはボナール没年のわずか5年後だったとか。


【ボナールの絵画的特徴】
レクチャーは主に『ヴェルノ付近の風景』を中心に進められます。
この絵を講師の学芸員さんは「視線をどこに置いたら良いかわからない絵」「写真に近い絵」だとしています。
「写真に近い」というのは、その写実性ではなく、「ここに目を向けさせよう」という意図のある、遠近法など古典的な技法を用いた、絵画らしい絵画(クロード・ロラン、コロー、ピサロが例に挙げられていました)との対比として使われたものだと思います。
ボナールは実際に1890年にコダック製カメラを入手し、友人でもあった同じナビ派のヴュイヤールと共に写真への関心を示してもいたそうです。
「視線をどこに置いたら良いかわからない絵」であるのは写真的(おそらく素人の撮ったスナップ写真的)であること、そしてさらには、絵の中のモチーフにヒエラルキーがないことだと指摘されていました。
それまでの絵画(人物がメインで背景があったり、近景があって遠景があるような)にあった絵の中の主従関係・上下関係を崩し、モチーフ同士を相対化、等質化したことで生じた「戸惑いと落ち着かなさ」から、再度バランスを取り直すことで「安心感」が生まれるのだとか。
その技法の具体例を、「逆光の技法」「鏡の技法」「テーブルの技法」「樹木と緑の技法」とカテゴリー分けし、それぞれの絵を例に挙げながら解説していただきました。


【ヴェルノネの家】
ボナールは1910年にヴュイヤールと共に、ジヴェルニーのモネ宅を訪ねています。
その2年後にジヴェルニー近くのヴェルノネという場所に居を構えます。
モネとはその後もずっと交流があったとか。
なんとこの家が今もそのまま残されており、住んでいる方もいらっしゃるのですが、講師の学芸員さんが一般公開日に現地に出向き、撮影した写真と絵の中の家が同じであったのは、ちょっと感動でした。


【ボナールの制作方法】
1920年代からボナールは手帳に制作に関する言葉と、印象に残った瞬間のスケッチ、そしてなぜか天気を書き残すようになります。
ボナールの絵は全てアトリエでの制作で、印象派のように屋外で制作することは無かったそうです。
この手帳のメモを頼りに、記憶と目の前の絵の間を行きつ戻りつしながらの制作だったとか。
絵はサイズを決めず、布をカンヴァスではなく壁に張り、中心から外へと広げるように描いていくスタイル。
その制作方法で製作中の写真も残されています。



【ボナールと視覚】
ボナールの絵にある、近くの物が視界を遮る構図は浮世絵の影響だとも言われているようですが、ボナールの残した言葉からはボナールが独自の視覚と知見を持ち、それを元に制作していたことが、近年の研究者の間で注目されているのだそうです。
このレクチャーのテーマは「絵画、それは時間の停止」でもありましたが、今月26日から国立新美術館で始まるボナール展のサブタイトル「視神経の冒険」は、ボナールの「絵画、それは視神経の冒険である」という言葉からだそうです。
この展覧会ではボナール独自の視覚による知見についても触れられるのでは?というお話でした。


【妻マルトと幸せの鳥】
妻マルトは神経症を患い、自宅に友人も呼べない状態で、ボナールの幸せそうな数々の絵の陰で、その私生活には苦しく辛い出来事も多かったとか。
このレクチャー最後に、ボナールの残したこんな言葉を。
「歌う鳥が常に幸せとは限らない」


【ピエール・ボナール展】
国立新美術館
2018年9月26日~12月17日
http://bonnard2018.exhn.jp/


【ブリヂストン美術館展】
ひろしま美術館
2018年10月13日~12月16日
http://www.hiroshima-museum.jp/…/de…/201810_Bridgestone.html


『ヴェルノン付近の風景』1929 ブリヂストン美術館


『桃』 1920 ブリヂストン美術館


『灯下』 1899 ブリヂストン美術館

以上3点がひろしま美術館のブリヂストン美術館展で展示されるボナール作品です。


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「逆光の技法」の例として挙げられていた絵の一枚。
日本語タイトルは『バラ色の寝椅子…』の後が非常に長いタイトルでメモしきれませんでした。
原題は Nu à contre-jour『逆光の裸婦』ぐらいの感じでしょうか。
これも、本来光が当たるべき人物が逆光で描かれ、しかも後ろ向き。
描かれたモチーフ同士が対等でヒエラルキーのない絵の例として挙った絵です。
1908年制作、ベルギー王立美術館蔵。


「鏡の技法」の中の一枚。
『暖炉』1916
鏡の中に映った人物だけではなく、画中画も鏡に映った絵。
鏡の中の人物、絵の中の絵も鏡の中に。
こうして二重三重の仕掛けをすることで、生身であることの存在感を間接化し希薄にしているそうです。


「テーブルの技法」の中の一枚。
『赤い格子のテーブルクロス』1910年、個人蔵。
テーブルと画面の地が一体化し、テーブルが主役と言わんばかりに人物と犬が上に追いやられ、ばらばらとものが配置され、中心がどこにあるのかわからない絵なのだとか。


「樹木と緑の技法」の一枚。
『野生の庭』1918年、フィリップスコレクション。
ボナールの風景画は手前と奥を作らず、一点を突出させず、全ての構成要素が絶妙にバランスをとりあっている描き方なのだとか。
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世界を変えた書物@上野の森美術館

世界を変えた書物
上野の森美術館
9月8日 (土) ~ 9月24日 (月)



この展覧会の紹介を見るたびに「白山の東洋文庫みたいだな~行ってみたいな~」と思っていた展覧会。
金沢工業大学の蔵書なので、展示されているのはやはり工科学系の本が中心です。

ただ、展示されているだけで、説明や解説といったものが本当に少なく、その道の専門の人が「ああ、あの本の現物か」と確認したり、「古い洋書ってオシャレ」と雰囲気を楽しんだり、デザインの参考にしたりと、既知のものの確認に行くだけで、それ以上にここで新たに何か知り得る、知の収穫は残念ながら期待できません。

例えば、ラナ・ツルティの『偉大な技術に基づく新発明』は、左ページに楽譜のようなもの、右ページに飛行船のようなものが描かれているのですが、これが何を意味するのか、一切の説明がありません。

帰ってから調べてみたものの、右ページの飛行船は「真空飛行船の図」であることは判ったのですが、左の楽譜のようなものが何を意味しているのかまでは、結局判らず終いなのが残念です。

今だったらスピリチュアルなんとかとでも名乗りそうなサンジェルマン伯爵の弟子だったゲーテや、占星術師でもあったカルダーノ、著書を読むと魔術師か錬金術師としか思えないデッラ・ポルタなどが、そういう科学が切り捨てた怪しげな部分を一切記載されずに、科学者であった側面だけをサラリと展示されていた点を少し物足りなくも思いました。

それでも、その初版本を見ることが出来た喜びはありますし、東京展限定のコーナーが特に良かったです。

ここにはプリニウス『博物誌』の16世紀の版もありますし、500年のベストセラー、ヴァザーリ『芸術家列伝』はラファエロのページが展示されていました。
ラファエロは大柄で太った大食漢でありながらも、その人柄は朗らかであったと何かで読んだことがあるのですが、この挿絵は人相が悪くて不憫です。




アルブマサル『占星術』初版 1488年

著者は9世紀のアラブ世界の占星術師ですが、15世紀にヨーロッパで出版されたもののようです。

カルダーノの本では、この時代のヨーロッパのホロスコープは現在の西洋占星術で使われているものではなく、北インド式に近いものでした。

カルダーノがあり、デッラ・ポルタがあり、こんな本まで展示されているなら、パラケルススの原書も見てみたかった!


カルダーノ『代数規則についての大技術』 1545年 初版

カルダーノはカメラオブスクーラに最初にレンズを取り付けた人でもあります。
そしてそれを広めたのがデッラ・ポルタ。
その約100年後にオランダのデルフトでレーウェンフックが改良し、フェルメールがあの絵を描いていたのかと想像すると胸が熱くなります。

金のエリクサー、若返りの毒、そして復讐

ディアーヌ・ド・ポアティエの話で惹かれるのは、その美貌やアンチエイジング法も気になるところではありますが、それよりもさらに気になるのは実は「金のエリクサー」についてでして、これについて調べるのに結構難儀しています。

ディアーヌ・ド・ポアティエは当時としては異例であった、今でも通用するほどの美容・健康法を習慣とし、それをストイックなまでに保っていたにもかかわらず、当時は霊薬として流通していたとはいえ、毒物である「金のエリクサー」を常飲したことで死に至っています。

この「金のエリクサー」はいつ作られ、ルネサンス後期のフランスにおいて、どのように広まり、その毒性が発見されるまでにどのような経緯があったのか。
「毒を盛る女」とまで陰口を叩かれた、おそらく当時の最先端の薬剤に精通していたであろうカトリーヌ・ド・メディシスがこの霊薬を飲用しなかったのはなぜか。

この2つの疑問が頭から離れないのです。
とりあえずこれは、現時点で素人の私がわかるとことから手を付け、わかる範囲内で知り得たことの中間報告です。

まず「金のエリクサー」、そして金を飲用する習慣について。

金を飲用する習慣は一番古いものではエジプトのパピルス、そしてプリニウスの『博物誌』33巻84にも金を飲用することに言及されているとあり、確認しましたが、金の効能だけで飲用については無し。

次は中国の煉丹術です。丹とは水銀のこと。
金を水銀に溶かし液状にした「金液」の服用が不老長寿の霊薬として信じられていたそうです。
イオン化した金も水銀もどちらも毒物であるにもかかわらず、金の不変性と、水銀を熱し酸化させても、さらに加熱することで再び水銀に戻る不死鳥のような再生能力から、これらを体内に取り込むことで、同じ効力を期待してそういった丹薬を作り、服用して死亡した皇帝が何人もいるそうです。
そして、この丹薬は日本にも渡り、愛飲していた天皇もいたとか。

金から離れて水銀の話になりますが、水銀中毒による症状は、のどの渇き、皮膚の乾燥、感情表現の困難、声が出なくなり言葉がしゃべれなくなる、凶暴性を現わすなど。
歴代皇帝の凶暴性が高かったのはこのせいではないかとも。

奈良の大仏は建立当時は全体に金メッキが施されており、水銀に金を溶かした「金アマルガム」の状態にしたものを塗布し、その後、熱により水銀を蒸発させることで、メッキ加工していたそうなのです。
そして蒸発させた水銀は周囲の山を越えることなく奈良盆地内に留まり、飲用水を通して公害を引き起こし、それが遷都の一因になったのではないかという説もあるんです。

8世紀ごろにイスラムの科学者によって王水が発明されるまで、金を液状化するには、おそらくずっと水銀に溶かしていたんだと思います。
(7世紀にフランス語で書かれたStances sur l'or potable des Anciens『古代における金の飲用法』をざっと見ても、やはり水銀に溶かしているようです。)
この王水が十字軍の遠征によって、11世紀ごろにヨーロッパに伝わり、かの地での錬金術に使われるように。
そしてそこから「金のエリクサー」が作られます。

しかし、中世ヨーロッパの医師で錬金術師として有名なパラケルススの本の中に、金による若返りの薬の記述が確かにあるのですが、塩化金を使ったものではなく、細かく砕いた金を水に入れ水蒸気蒸留法で蒸留させたものでした。
そして同じく蒸留法で得た真珠のエッセンスと合わせ、さらにはサフランなど植物性のものを混ぜ合わせたもので、これは毒物以前にサフランの薬効以外に薬にもならない代物です。

誰が塩化金を使った毒物「金のエリクサー」を発明したのか、この疑問の答えには、まだ辿り着けていません。

ただ、1610または1615年生まれ1669または1674年没のフランスの化学者ニコラ・ルフェーブルによる「化学入門のための化学講義」(初版1660年)の増補第5版(1751年)の第5巻には金を王水や水銀に溶かしたり、粉末にしたものをアルコールに溶かしたり(これは溶けないけど)、エッセンスを抽出したり(出来ないけど)、といった記述があるので、ご興味があれば。
もうこれ以上は私の手には負えません。

金中毒の主な症状は、悪心、嘔吐、腹痛、下痢、動悸、角質炎、皮膚炎、舌炎などであり、肝臓の損傷、皮膚、粘膜、強膜黄色染、食欲不振および他の肝炎の症状、時には肺疾患、呼吸困難、肺機能障害、心筋梗塞、脳卒中、腎臓障害、男性の乳房発育などがあり、慢性中毒は主に説明できない慢性下痢など。

ディアーヌ・ド・ポアティエは、金のエリクサーの服用で肌の色が白くなり、骨や髪が細く脆くなったそうです。
ディアーヌの遺髪からは金だけではなく、金のエリクサーの純化剤として使用されていた水銀(化学的にどのように使用したかは不明)も検出されていますので、金中毒の症状に加えてさらに水銀中毒の症状もあったのではないかと思います。

そしてここからは、私の想像にすぎませんが、おそらく当時の最先端の薬剤に精通していたであろうカトリーヌ・ド・メディシスがこの霊薬を飲用しなかったのはなぜか、この疑問に対しては、こう推測しています。
「それは、これが毒物であることを知っていたから」。

カトリーヌはディアーヌが若返りのために金のエリクサーを服用していたことも、もちろん知っていたはずです。
なんといっても、カトリーヌは夫のアンリ2世とディアーヌの寝室に覗き穴を作り、その様子を覗き見ながら涙するような人ですから。
カトリーヌはアンリ2世がディアーヌに贈ったものの返還を求めた以外、特にこれといった復讐めいたことは何もしていません。
なぜか。
それは、「ディアーヌが若返りのために飲んでいる霊薬が毒物であることを知っていたから」に他ならないと思うのです。

カトリーヌ・ド・メディシスに限らず、当時の権力者はありとあらゆる場所に、自分の手の者である配下を送りこみ、諜報活動に勤しんでいたはずで、ディアーヌの元へも当然送りこんでいたことでしょう。
ディアーヌが毒物により容態を崩していく様を、詳細にカトリーヌに書き送った密使がいたのではないかと。
それを読むことは、カトリーヌにとっては、暗い、だけれども大きな喜びだったのではないでしょうか。

「私は知っている、あなたの破滅を。
あなたはそれを知らずに、自らの手でご自分を破滅に追いやっている。」

そう密かに歓喜しながら、ディアーヌの容態悪化の報告を読むのを心待ちにしていた、そんな静かな復讐だったのではないかと思うのです。


フランソワ・クルーエ 『入浴中の貴婦人』 1971 ナショナル・ギャラリー(ロンドン)

ディアーヌの遺骨の鑑定にはクルーエの描いたディアーヌ最晩年の肖像画が用いられたそうです。
おそらくこの絵ではないかと思います。
貴婦人の裸体は化粧中や入浴中であるものと神話の登場人物に扮したものに限り許されるようになったのは、ディアーヌがあまりにも美しかったため、その姿を描くためであったそうで、ディアーヌ以降はその条件でならOKということになったとか。

この時代の迷信めいた言い伝えによると、ディアーヌが生まれた時は美しい月の光が彼女に差し込んだためディアーヌと名付けられた一方で、カトリーヌは血の色の空の暗闇の刻に生まれ、不吉な前兆で禍をもたらすと言われたりして、もう散々な感じです。
私はなんだか生まれてから死ぬまで、ずっと困難続きのカトリーヌに同情をしてしまい、この話は彼女の手飼いの占星術師や呪術師の視点で、「金のエリクサーは実は毒物ですので、ディアーヌ様は自らそのお命を縮めていらっしゃいます。」とカトリーヌに進言したくなります。
そんな小説があったら、面白いかもしれませんね。

RIMPA TO NIHONGA —現代日本画に見る琳派の様相— 郷さくら美術館

RIMPA TO NIHONGA
—現代日本画に見る琳派の様相—
郷さくら美術館(東京・目黒)
2018年9月4日(火)-11月25日(日)
https://exhibition.localinfo.jp/

2012年に目黒川沿いにオープンした現代日本画の美術館。
オシャレなエリアにあり、外観もまるで高級ブランドショップのよう。
ぐるっとパスなら無料です。

琳派はよくデザイン的だと言われますが、それは琳派に限らず日本美術全体がそうではないかと、今春にトーハクで見た特別展『名作誕生-つながる日本美術』でも思いました。

大陸から来たものを「技術的、能力的に歯が立たずに真似できない」部分と、「日本ならではの個性があるがゆえに、それを捨てきれない」部分、つまり「できない」にもネガティブな理由と比較的ポジティブな理由がある。
その比較的ポジティブな部分を特化したのが琳派なのかなぁと。

デザイン化、今風に言うと「魔改造」ですかね。
日本文化は魔改造の歴史なのかもしれません。

そんな現代日本画について思ったのは、形をデザイン化すると共に、その色彩まで原色に近い、練りの浅い単純な色彩にしてしまうと、なんだか安っぽく、稚拙な感じになってしまう気がしました。
私感で本当に恐縮ですが、大胆で単純な造形に凝った渋い色彩だからこそカッコよかったのになぁ…と。

この後、青山伝統工芸スクエアに寄り、知り合いの伝統工芸士さんとその話をしたのですが、今人気があって売れる色というのは、やはり原色に近い鮮やかで綺麗な濃い色なのだとか。
今日本で人気の色はもう「伝統的な日本の色」ではなく「東アジアの色」なのかもしれません。
これは日本画を外から見たときに、とても勿体無い気がして、個人的に残念に思っている点です。

形も色も単純化した分、何が進化しているのかというと半立体化している点でしょうか。
版画の空摺りのように胡粉を盛り上げたり、背景のマチエールに凝ったり、焼き箔で作った立体的な蝶を貼ってみたり…。
そういう表面的な仕掛けに凝るよりも、平面の美に徹する逃げない絵が見たいと思いました。

3階建ての小さな美術館の1階と3階は現代琳派、2階は「桜百景」展。
画像はないのですが、その中では鈴木紀和子『誘い』という絵が、桜の絵はかくあるべきと思うぐらいの好きな絵でした。


町田市国際版画美術館、八王子市立夢美術館のゴーリー展、目黒区美術館のフィンランド陶芸展、ホテルオークラの動物の絵、菊池寛実記念智美術館などへも行ったのですが、ブログは画像のアップがめんどくさくて、つい書かず終い。
アップするだけならFacebookの方が楽で、ブログとはつくづく前時代のメディアだと思います。

クレシダ・キャンベル、田中一村のような木版画

クレシダ・キャンベルさん、1960年シドニー生まれのオーストラリアのアーティストです。
この人の木版画を見て、一瞬、田中一村の作品かと思いました。

1978-79年にイースト・シドニー・テクニカル・カレッジで学んだ後、なんと日本に来日。
1980年には東京の吉田版画アカデミーで木版画を学びます。
吉田版画アカデミーは画家吉田博の息子さんが1972年に東京世田谷に開いた版画教室で、現在はさらにその息子さんが受け継ぎ、今もなお続いているようです。

そのせいか、キャンベルさんの作品には「現代のジャポニスム」とでも言いたくなるような雰囲気があります。
田中一村風の風景画が良かったので、他の作品も見てみましたが、本当に何という良いセンス!
自然を描いた風景画は田中一村のようであり、静物画は小倉遊亀やマティスのようでもあり、室内画はヴュイヤールのようでもあり。

きっとこの方もそういう作品がお好きで、その上でご自分の個性や現代の雰囲気も加味しながら、作品を制作されているのかな?と思いました。

せっかく日本で学ばれたのに、残念ながら彼女の作品はアジアでは香港のギャラリーで個展があったのみで、日本ではまだ開かれてないようですし、彼女に関する日本語の情報もほとんどありません。
しかしながらも、オーストラリア国内では個展を開けば即日完売だそうで、オークションサイトの価格などもかなりの高額ですので、「成功した」アーティストと言えるのだと思います。

現代アートというと、「現代アート」というジャンルの作品を好む人に向けて作られているような気がしますが、100年前、200年前の優れた作品とも地続きでありながら、個性も現代性も加味された、彼女が制作するような作品が、商業的にも成功していることは大変に喜ばしいことだと思います。
こういう作品こそ「現代アート」として、日本で紹介されることを願っています。

キャンベルさんの他の絵はキャンベルさんの公式サイトや絵画オークションサイトなどで見ることが出来ます。
公式サイト
http://www.cressidacampbell.com/


Peeling Bark, 1999


Banksias (2004)


Manly Dam Reserve, Unique


Eucalypts (1999)


Goldfish (1984)


Lilies , 1984


Cactii 1984

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Bush Lemons (1990)






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